Buffy: Does it ever get easy? Giles: You mean life? Buffy: Yeah, does it get easy? Giles: What do you want me to say? Buffy: Lie to me. Giles: Yes. It's terribly simple. The good guys are always stalwart and true. The bad guys are easily distinguished by their pointy horns or black hats, and, uh, we always defeat them and save the day. No one ever dies and... everybody lives happily ever after. Buffy: Liar.

René

Europa – Ein Kontinent als Beute

Europa - SalzgeberVielleicht hat es Christoph Schuch ja nur gut gemeint, als er die Entscheidung traf, einen Dokumentarfilm über die vermeintlichen und tatsächlichen Ungerechtigkeiten in Europa zu drehen. Zu erzählen gäbe es da ja einiges: die sich immer weiter öffnende Schere  zwischen „oben“ und „unten“; der sich ausbreitende Nationalismus; die enge Verflechtung von Wirtschaft und teils undemokratisch konstruierter Europäischer Union; die Einschränkungen der Pressefreiheit und die Zunahme von Polizeigewalt als Reaktion auf immer wütender werdende Proteste. All das thematisiert Dokumentarfilmer Schuch in Europa – Ein Kontinent als Beute. Und das ist auch gut so. Dennoch ist der Film nicht zu empfehlen. Zum einen weil er aus künstlerischer Perspektive nicht funktioniert. Die O-Töne und Aufnahmen von Gebäuden und Gewässern wirken beliebig aneinandergereiht. So etwas wie eine Erzählung oder fortlaufenden Erkenntnisgewinn gibt es nicht. Die Positionen von Filmemacher, Interviewpartnern und Aktivisten stehen von Beginn an fest und ändern sich im weiteren Verlauf auch nicht. Wer halbwegs mit der Materie vertraut ist, weiß am Ende genau so viel wie am Anfang. Auch die Aufnahmen der Demonstrationen zeigen nichts Neues. Die Doku besitzt somit wenig Mehrwert. Zum anderen ist der Film inhaltlich problematisch, vor allem gegen Ende, wenn es nicht mehr nur um das marode Gesundheitssystem in Griechenland, die perspektivlose Jugend in Spanien und den tödlichen Kapitalismus im Allgemeinen geht, sondern zudem platter Antiamerikanismus, Verschwörungstheorien und verkürzte Medienkritik ins Spiel kommen. Die USA (oder fremde Mächte) beuten Europa aus, was ihnen dank gesteuerter Medien spielend leicht gelingt – das ist die finale Botschaft. Darauf kann man gerne verzichten.

 

 

Filmplakat: Salzgeber

The Girl with All the Gifts

The Girl with All the Gifts - SquareOne UniversumIrgendwann während der ersten Staffel von „The Walking Dead“ gab es bei mir die Hoffnung, die Serie könnte der Zombiemythologie etwas Neues hinzufügen. Doch die hohe Qualität der ersten Staffeln resultierte eher aus den zwischenmenschlichen Grausamkeiten, der schonungslosen Brutalität und manch inszenatorischer Wucht denn aus bahnbrechend neuen Vorstellungen über das Wesen von Zombie und übertragenem Virus. Wer aber genau so etwas von einem Genrebeitrag erwartet, ist bei The Girl with All the Gifts des bislang eher unbekannten Regisseurs Colm McCarthy gut aufgehoben. Darin spielt die heute 14-jährige Sennia Nanua das Mädchen Melanie, das sich – genau wie einige andere Art- und Altersgenossen – auf einer Militärbasis verschiedenen Experimenten unterziehen muss und dabei überhaupt nicht menschenwürdig behandelt wird. Dies liegt vor allem daran, dass Melanie nach Ansicht der Militärs kein Mensch, sondern eine Art Zombie ist. Im Film ist vor allem von „Hungries“ und Infizierten die Rede. Kurz bevor Melanie unter dem Skalpell einer Wissenschaftlerin landet, kann und muss sie gemeinsam mit einigen „normalen“ Menschen die Flucht antreten. Hat man die ersten 15 Minuten, in denen arg mit dem symbolischen Holzhammer gearbeitet wird, überstanden, entwickelt sich „The Girl with All the Gifts“ zu einem über weite Strecken starken Endzeitstreifen, der durch harte Zombieaction, starke Darsteller, spannende Momente und interessante Ideen besticht. Letztere betreffen beispielsweise die Art und Weise, wie „Hungries“ ihren Tag verbringen und auf Menschen reagieren, oder die Verbreitung der Pilzkrankheit, welche auf ganz neuen Wegen geschieht. Letztlich hat dieser Film somit innerhalb von zwei Stunden mehr für das Zombiegenre geleistet als „The Walking Dead“ im Laufe der gesamten Serie.

 

 

Filmplakat: SquareOne / Universum

Jackie

Jackie - TobisWie kann ein Mensch weiterleben, wenn direkt neben ihm ein anderer stirbt? Wenn der Kopf des anderen plötzlich zerplatzt und sich das Gehirn auf dem eigenen Körper verteilt? Dies zu beantworten – oder es zumindest zu versuchen – ist der Anspruch des historischen Dramas Jackie. Doch da ist noch viel mehr als das: Die dem Film seinen Namen gebende Hauptfigur ist keine Geringere als die Witwe des ermordeten US-Präsidenten John F. Kennedy. Regisseur Pablo Larraín hat mit Natalie Portman die perfekte Besetzung für diesen faszinierenden Charakter gefunden. Schaut man sich alte Dokumentationen an, so kommt man zu dem Schluss, dass Portman das Gebaren und den Akzent der ehemaligen Präsidentengattin nahezu ohne Verlust imitiert. Zugleich schafft sie es, die zahlreichen Widersprüche dieser Person, zumal verstärkt durch die psychische Extremsituation nach dem Tod ihres Mannes, fassbar zu machen. Dabei hilft ihr der Fokus auf die Hauptdarstellerin: Portman schaut – ungewöhnlich für heutige Filme – meist nur knapp an der Kamera vorbei. Diese wiederum bleibt stets nah am Gesicht der Schauspielerin. Zusammen mit der im besten Sinne schauderhaften Streichmusik ergibt sich so ein stimmiges, intimes, fast dokumentarisches Porträt von Person und Epoche, das in einen kraftvoll inszenierten Trauermarsch mündet.

 

 

Filmplakat: Tobis

Split

Split - UniversalShyamalan. – Hallo, liest noch jemand weiter? Gut. Vor drei bis vier Jahren hätte es ausgereicht, in einer Rezension den Namen dieses Regisseurs zu erwähnen, um ein verzweifeltes Stöhnen und wütende „Aufhören“-Rufe zu ernten. Mit „Lady in the Water“, „The Happening“, „The Last Airbender“ und „After Earth“ hatte es sich der einstige Regie-Star mit Publikum und Kritik verscherzt. Für manche war der Spaß aber auch schon nach „The Village“ vorbei. Was ich nie nachvollziehen konnte – für mich ist das bis heute Shyamalans bester Film. Bereits mit dem komödiantischen Found-Footage-Horror „The Visit“ beschritt Shyamalan vor etwas mehr als einem Jahr nicht nur ein für ihn ungewohntes Terrain, sondern auch den Weg zu einem Comeback als seriöser Filmemacher. Und nun, was ist mit Split? Schwer zu sagen. Nicht, weil es keine klare Tendenz gäbe – die ist positiv –, sondern weil man den Film eigentlich nicht ansatzweise spoilern möchte. Nur so viel: James McAvoy spielt darin einen Mann mit mehreren Persönlichkeiten, der aus irgendeinem Grund drei junge Frauen entführt. Durchgehend spannend und frei von erzählerischen Schwächen ist das nicht. Aber es ist faszinierend, Stück für Stück zu erfahren, wie diese Persönlichkeitsstörung funktioniert und was sie für das Schicksal der einzelnen Figuren bedeutet. Das allein trägt dank der hervorragenden, vielseitigen Darstellung von McAvoy fast den kompletten Film. Shyamalan wurde und wird ja gerne auf tatsächlich oder vermeintlich überraschende Twists reduziert, die aber eigentlich nie das Wesentliche in seinen auf die Entwicklung der Charaktere fokussierten Filmen waren. So viel kann man wohl verraten: Am Ende von „Split“ passiert etwas, was es in dieser Form in der Filmgeschichte wohl noch nicht gegeben hat. Zusammen mit den anderen Stärken ergibt das ein gelungenes Comeback.

keine Trailer-Einbettung wegen massiver Spoiler

Filmplakat: Universal

Die Taschendiebin

Die Taschendiebin - Koch FilmsWieder einmal ist bei Park Chan-wook („Oldboy“) einiges nicht so, wie es auf den ersten Blick scheint. Diese Feststellung bezieht sich sowohl auf die Perspektive des Zuschauers als auch auf jene sämtlicher Protagonisten. Für uns, das Publikum, macht es zunächst den Eindruck, als ob sich die Taschendiebin Sookee (Kim Tae-ri), die dem im Englischen „The Handmaiden“ genannten Film den ansonsten wenig sinnvollen deutschen Titel verleiht, als Dienstmädchen ausgibt, um das Vertrauen des reichen Fräuleins Hideko (Kim Min-hee) zu gewinnen. Dieses soll sich nach dem Eintreffen des Hochstaplers Fujiwara (Ha Jung-woo) verlieben und sich später – nicht ganz freiwillig – von ihrem Vermögen trennen. Selbstverständlich nimmt die Handlung jedoch eine andere Entwicklung als zunächst erwartet. Dabei sind nicht nur die drei Hauptcharaktere zumindest eine Zeitlang über das eigentliche Geschehen nicht ganz im Bilde, sondern auch die Zuschauer benötigen mehrere Perspektivwechsel, um die Lügen und Intrigen zu durchschauen. Park Chan-wook setzt diesmal weniger auf Verstörendes und Schockierendes, so wie etwa in eingangs erwähntem Meisterwerk, sondern mehr auf Raffinesse und Ironie – wenngleich es auch hier teils sehr bizarr zugeht. Die Taschendiebin ist clever erzählt und macht trotz langer Laufzeit von der ersten bis zur letzten Minute Spaß. Etwas ratlos haben mich lediglich die freizügigen, lesbischen Sexszenen zurückgelassen. Wenn ein Mann so etwas inszeniert, weiß man nie so genau, warum er das eigentlich gemacht hat. Was für ihn spricht: „Die Taschendiebin“ ist grundsätzlich ein Film, der von starken Frauen und schwachen Männern erzählt. Hinzu kommt: So lustig wie hier ist Sex selten inszeniert – man denke nur an den aus Vagina-Sicht gefilmten Cunnilingus und die den Akt begleitenden Kommentare.

 

 

Filmplakat: Koch Films

Suburra

Suburra - Koch MediaDie Apokalypse steht am Anfang. Zumindest ihre Ankündigung. In sieben Tagen soll es so weit sein, erklärt uns eine Texttafel zu Beginn des italienischen Neo-Noir-Thrillers Suburra, dessen Handlung am 5. November 2011 beginnt und exakt eine Woche später endet. Es ist eine Zeit, in der das Land dank Eurokrise unter einer schweren Rezession leidet. Am 12. November wird ein politisches Erdbeben – mal wieder – Rom erschüttern. In Kirchenkreisen machen zudem erste Gerüchte über einen bevorstehenden Amtsverzicht des Papstes die Runde. Vor diesem Hintergrund agieren in „Suburra“ rücksichtslose Gangster, gierige Bauunternehmer und korrupte Politiker – business as usual also. Es dauert nicht lange, bis die ersten Figuren dauerhaft von der Bildfläche verschwinden. Haben die (Un-)Fälle zunächst nichts miteinander zu tun, so verweben sich die Schicksale der beteiligten Personen bald auf verhängnisvolle Weise miteinander. Rache, Angst und Größenwahn werden zu den beherrschenden Motiven der Handelnden. Daran, dass die Geschichte kein gutes Ende nehmen kann, lässt Regisseur Stefano Sollima („A.C.A.B.“, „Gomorrha – Die Serie“) keine Zweifel. Zu gegensätzlich sind die Interessen der freiwillig und unfreiwillig Involvierten. Wie Sollima die komplexe und komplizierte Gemengelage überschaubar hält, ist beeindruckend. Jede Entscheidung wirkt plausibel, jede Eskalation scheint unvermeidlich. In „Suburra“ passt alles: das Setting, die Darsteller, packende Schießereien, die stetes Unheil verkündenden Bilder – und die Musik! Der hypnotisierende Elektropop von M83 verleiht diesem Mafia-Krimi etwas Modernes und erinnert gleichzeitig an die 70er; eine Zeit, in der das Genre Klassiker wie „Der Pate“ hervorbrachte. Mit „Suburra“ hat der Noir-Film nun einen herausragenden Vertreter hinzubekommen.

 

 

Filmplakat: Koch Media

Hacksaw Ridge

Hacksaw Ridge - UniversumDie Geschichte eines jungen Mannes, der in den Krieg zog und sich standhaft weigerte, eine Waffe anzufassen, fasziniert. Doch sie wirft auch Fragen auf. Fragen, für die sich Mel Gibson offenbar nicht interessiert. Seine neue Regiearbeit – die erste seit „Apocalypto“ vor zehn Jahren – widmet sich dem Sanitäter Desmond Doss (Andrew Garfield), der im Zweiten Weltkrieg dutzenden US-Soldaten das Leben rettete. Aus religiösen Gründen verzichtete er darauf, sich zu bewaffnen, und erntete mit dieser Entscheidung zunächst den Zorn seiner Kameraden und Vorgesetzten. Am Ende jedoch feierten sie ihn überschwänglich. Auch Gibson verehrt Doss spürbar und legt Hacksaw Ridge als Heldengeschichte an. Für Zwischentöne und Fragen, die das Verhalten von Doss aufwirft, bleibt keine Zeit. Ist es nicht etwas widersprüchlich, keinen Menschen töten zu wollen, aber gleichzeitig mit dem eigenen Einsatz die verheerende Kriegsmaschinerie am Laufen zu halten? Gibson inszeniert Doss als Heiligen ohne Fehler und Schwächen. Für einen mehr als zweistündigen Film ist das zu wenig. Wenn zudem die Rollen der Guten und Bösen – die japanischen Soldaten sind allesamt hinterhältig, irre und kaltblütig – so klar verteilt sind wie hier, wirkt das Geschehen künstlich, nicht authentisch, wie es bei einem Kriegsfilm aber der Fall sein sollte, möchte er eine Daseinsberechtigung haben. Das macht sich auch in den stark choreographierten Kampfszenen bemerkbar. Mit obligatorischer Härte verpasst sich „Hacksaw Ridge“ den Anschein eines Antikriegsfilms – tatsächlich jedoch opfert er die historischen Genauigkeiten einer vermeintlich spannenden Dramaturgie und einer Überdosis Pathos.

 

 

Filmplakat: Universum